Le metamorfosi di Lady Macbeth nelle arti visive e performative: da Shakespeare all’arte contemporanea.

Esistono personaggi che non restano confinati sulla pagina, ma reclamano carne, voce e sguardo per continuare a vivere. Lady Macbeth è uno di questi: un enigma vibrante di potere e fragilità che ancora oggi cattura l’immaginazione dell’arte visiva e performativa contemporanea. Per sciogliere il segreto di questo incanto oscuro, occorre risalire alle sorgenti stesse della tragedia, là dove la scrittura shakespeariana ha preso forma sulla scena.

Con penna d’oca e inchiostro nero, tra il 1603 e il 1606, William Shakespeare consegna alla scena una tragedia intrisa di sangue, disperazione e destino. Al centro del dramma c’è un generale valoroso, il cui cammino viene deviato dall’oscura profezia di tre streghe che gli annunciano una corona inattesa. Spinto dall’ambizione implacabile della moglie, Lady Macbeth, il nobiluomo decide di forzare la mano del fato assassinando Duncan, re di Scozia, per strappargli il trono. Già nel primo atto, la donna chiama a sé le forze delle tenebre, implorandole di svuotare il suo corpo di ogni dolcezza femminile per forgiarla nella crudeltà:

«Venite, spiriti che assistete i pensieri di morte, toglietemi il sesso e colmatemi dalla testa ai piedi della più feroce crudeltà!» (Atto I, Scena 5).

Ma conquistare il potere non basta: tutta l’opera racconta il prezzo feroce del doverlo mantenere. Rimorsi e sospetti diventano ossessivi, spingendo il nuovo sovrano a far uccidere l’amico Banquo per sventare la profezia che ne vedeva i discendenti sul trono. Mentre Fleance, il figlio di Banquo, riesce a fuggire, Macbeth sprofonda nella paranoia e anche sua moglie crolla sotto il peso della colpa.

La celebre scena del sonnambulismo, una delle più inquietanti della letteratura occidentale, la mostra mentre vaga nella notte, sfregandosi ossessivamente le mani per lavare via macchie immaginarie di sangue, intrappolata in un delirio che torna ciclicamente sulle stesse immagini:

«Via, maledetta macchia! Via, dico!… Chi avrebbe mai pensato che quel vecchio avesse tanto sangue nelle vene?»

e ancora, in un crescendo di angoscia sensoriale:

«C’è sempre l’odore del sangue qui: tutti i profumi d’Arabia non basterebbero a addolcire questa piccola mano» (Atto V, Scena 1).

L’enigma visivo delle origini

Sorprendentemente, non esistono dipinti sul Macbeth realizzati da artisti inglesi contemporanei a Shakespeare. Nella cultura visiva dell’Inghilterra del primo Seicento, i committenti richiedevano quasi esclusivamente ritratti di corte, come quelli firmati da Nicholas Hilliard o Isaac Oliver. Il teatro era considerato una forma d’arte popolare e performativa, non ancora un soggetto degno della grande pittura su tela. A questo si aggiungeva l’assenza di copioni illustrati: il Macbeth fu stampato per la prima volta solo nel 1623, sette anni dopo la morte del drammaturgo, all’interno del First Folio, un’edizione completamente priva di immagini. L’unica testimonianza visiva diretta di un’opera shakespeariana realizzata mentre l’autore era in vita non riguarda la tragedia scozzese, bensì il Tito Andronico, ritratto intorno al 1595 in un celebre disegno a penna attribuito a Henry Peacham.

Questa assenza originaria di immagini ha lasciato intatta, per oltre un secolo, la libertà immaginativa dello spettatore. Solo a partire dalla metà del Settecento la pittura inglese inizia a dare volto al Macbeth, passando dalle scene teatrali di William Hogarth e Johann Zoffany agli incubi visionari di Johann Heinrich Füssli, che a Londra spostò lo sguardo sull’inconscio e sul tormento psichico della protagonista, fino al celebre ritratto di Ellen Terry nei panni di Lady Macbeth dipinto da John Singer Sargent nel 1889.

La sospensione di Shakespeare e la condanna di Verdi

Questa apertura interpretativa rispecchia perfettamente il finale riservato da Shakespeare alla sua eroina. Dopo averla mostrata in preda al delirio notturno mentre ripete ossessivamente:

«A letto, a letto: bussano al portone. Vieni, vieni, vieni, vieni, dammi la mano» (Atto V, scena 1),

il drammaturgo la fa sparire subito dopo. Nemmeno il suo nome viene più pronunciato, neppure dal marito quando, nel finale, ne annuncia l’«eterno sonno», riflettendo con amara lucidità sulla fragilità dell’esistenza:

«La vita non è che un’ombra che cammina, un povero attore che si agita e si pavoneggia per un’ora sul palcoscenico e poi non se ne sa più nulla» (Atto V, Scena 5).

Shakespeare non mostra la morte fisica della donna, ma la consegna a un sonno senza fine. Qui il giudizio è affidato ai filtri mentali e alla sensibilità di chi guarda: quel sonno è una stasi definitiva o una condizione da cui la protagonista, dopo la presa di coscienza, potrebbe risvegliarsi rigenerata? Lady Macbeth è donna e sposa, ma cade preda di un desiderio tossico di potere che la conduce in uno stato sospeso, simile a quello delle eroine delle fiabe, come Biancaneve vittima dell’inganno della strega, in attesa di un risveglio della coscienza che nelle fiabe prende il volto del principe. Il testo lascia aperto l’interrogativo sulla dualità dell’essere umano, diviso tra il bisogno di evolvere e l’incapacità di farlo, pena l’annientamento.

Molto diversa è invece la visione di Giuseppe Verdi, che nel 1847 porta il Macbeth sul palcoscenico lirico. Figlio dell’Ottocento, il compositore legge l’universo femminile attraverso una lente dicotomica, tesa tra il polo diabolico e la santità mariana. Le streghe aprono l’opera con frasi sconnesse e vocalità soffocate, mentre Lady Macbeth, emblema della brama materiale, e Lady Macduff, simbolo di fedeltà e purezza, restano su fronti opposti.

Rispetto al modello inglese, Verdi forza la mano drammaturgica e nel celebre rondò del sonnambulismo la musica si fa spettrale e inesorabile, mentre la protagonista canta:

«Una macchia è qui tuttora… Via, ti dico, o maledetta!… Di sangue umano sa questo luogo… Lavar nol può l’oceano!» (Atto IV, Scena 4),

suggellando un’angoscia senza via d’uscita. Per la Lady Macbeth verdiana non c’è scampo, né possibilità di sopravvivenza né riscatto: ormai preda assoluta del male, la sua colpevolezza viene punita per sempre e la sua fine è morte certa, non più sonno sospeso.

Dal palcoscenico allo spazio visivo: il corpo, la luce e la catarsi contemporanea

È proprio nello spazio aperto tra la sospensione introspettiva di Shakespeare e la condanna inappellabile di Verdi che si inseriscono le ricerche dei registi-artisti e dei grandi maestri della videoarte contemporanea. Sul versante teatrale e lirico, figure come Robert Wilson — che ha messo in scena sia il testo shakespeariano sia l’opera di Verdi — svuotano la scena di ogni realismo per trasformare i personaggi in icone sospese nella luce, dove il gesto rallentato restituisce al sonnambulismo una dimensione ipnotica e atemporale. Su un fronte più viscerale e architettonico, Damiano Michieletto (con lo scenografo Paolo Fantin) ha portato la condanna verdiana prima dentro il Teatro La Fenice — trasformando il sangue in una marea ossessiva di palloncini rossi — e poi fisicamente fuori dal palcoscenico con installazioni site-specific per il Festival Verdi come Il sonno uccidesti, dove il sonno violato diventa una prigione spaziale in cui lo spettatore può entrare.

Superando così i confini del teatro e il determinismo ottocentesco della colpa senza redenzione, la sensibilità odierna torna a interrogare quello stato di sonno e crisi trasformandolo in un territorio di indagine visiva e spirituale. Nelle videoinstallazioni di Bill Viola, ad esempio, il corpo umano immerso in una luce dal taglio caravaggesco e rallentato nel movimento attraversa la soglia tra veglia, sonno e morte come un rito di purificazione. Qui il tempo dilatato permette al gesto ossessivo di sciogliersi dalla tensione mentale per approdare a una nuova consapevolezza, dove il vuoto non è annientamento, ma spazio fertile di rinascita. Su un versante parallelo, la ricerca fotografica e video di Shirin Neshat esplora il conflitto interiore del femminile sospeso tra desiderio di affermazione, colpa e ricerca di libertà, trasformando il silenzio e la gestualità rituale in una potente partitura emotiva. Allo stesso modo, nell’arte performativa di Marina Abramović, il corpo stesso diventa il luogo fisico in cui il trauma e il peso della coscienza vengono attraversati fino al punto di non ritorno, liberando l’individuo attraverso una catarsi che cattura lo sguardo dello spettatore e lo costringe a confrontarsi con la propria interiorità.

Quando l’amore trova la morte e si fa universale

Questa tensione verso una rinascita che oltrepassa il confine della morte trova una risonanza profonda anche nel cinema contemporaneo, in particolare nel toccante film Hamnet diretto da Chloé Zhao e tratto dal romanzo di Maggie O’Farrell. La vicenda riporta alle radici stesse della poetica shakespeariana, raccontando il dolore intimo del drammaturgo e della moglie Agnes per la perdita del giovane figlio Hamnet, strappato alla vita dalla peste dopo aver scelto, in un gesto di purissima dedizione, di prendere su di sé il male al posto della sorella gemella Judith.

Per cogliere tutta la potenza visiva di questa trasfigurazione sul palcoscenico, guarda il

È il momento esatto in cui l’amore incontra la morte e si trasfigura, diventando universale. E la morte diventa morte rigenerativa. Davanti a quel sacrificio silenzioso, il padre trasforma lo strazio privato in creazione artistica: portando in scena il suo teatro, rende quel figlio eterno sul palcoscenico, sottraendolo all’oblio e consegnandolo per sempre all’umanità intera. Letta accanto a questa luce, anche la vicenda di Lady Macbeth si rivela di straordinaria attualità: l’arte di oggi interroga l’animo umano e il femminile, non più come semplici oggetti di condanna morale, ma come soggetti capaci di attraversare l’ombra, ricomporre la frattura tra mente, cuore e corpo e farsi protagonisti di un percorso di liberazione. Proprio come accade nelle fiabe antiche e sul palcoscenico del teatro eterno, questa rilettura restituisce all’arte il potere di trasformare la fine in un nuovo inizio, offrendo un orizzonte di rigenerazione e amore universale in un mondo che, troppo spesso, sembra correre verso l’autodistruzione.